STARS OHNE LAMPENFIEBER – Überblicksartikel über Roboter und KI im Theater im Falter 3/19

Roboter machen Angst und Hoffnung. Immer häufiger bevölkern sie auch die Theaterbühnen

Schauspielerinnen und Schauspieler fürchten nichts mehr als Kinder und Tiere. Sobald diese die Bühne betreten, sind sie die Stars. Dann hat nicht einmal die größte Virtuosität im Ausdruck eine Chance. In den letzten Jahren ist mit dem Roboter ein weiterer Konkurrent um die Publikumsgunst hinzugekommen. Die automatisch aufkommenden Fragen sind ähnlich: Weiß er, was er tut, und warum? Ist er nicht herzig, wie er da scheinbar alleine im Raum herumfährt? Vor allem aber, schadenfroh: Wie werden die Menschen reagieren, wenn er nicht tut, wie ihm – mittels Programmierung – befohlen wurde?

Je intensiver technologischer Fortschritt und künstliche Intelligenz (KI) diskutiert werden, desto mehr ferngesteuerte Maschinen und künstliche Intelligenzen bevölkern die Bühnen. Zwei Wiener Kunstkollektive haben sich nun zusammengetan und eine Performance ausschließlich für Roboter entwickelt. „Union of Global Artificial Intelligence (U.G.A.I.)“ wird am 17. Jänner im Wuk uraufgeführt. Das Stück zeigt die Jahreshauptversammlung der Gewerkschaft intelligenter Maschinen und Systeme, die hier erstmals auch für Menschen geöffnet ist. Den Vorsitz führt ein Server, zu den Teilnehmenden gehören etwa ein intelligenter Staubsauger und ein 3D-Drucker. Anstelle von Werbeflyern wurden förmliche Einladungen mit der Anschrift „To humans it may concern“ verschickt. Verhandelt werden drängende Themen wie der vom Europäischen Parlament vorgeschlagene Personenstatus für künstliche Intelligenzen (KI) oder das Recht der Maschinen auf Freizeit.

Für Menschen, so Marie-Christin Rissinger von Blind Date, ist der Abend ein „Objekttheaterstück an der Schnittstelle von Performance, Sound und Medienkunst“. Das künstlerische Team wird bei den Aufführungen anwesend sein, um bei Fehlern einzugreifen, sich aber stark im Hintergrund halten. Auf der Bühne haben Menschen nichts zu suchen – doch, einer, aber nur, weil der Botschafter für Health Informatics and Life Support, ein Herzschrittmacher, sonst nicht an der Versammlung teilnehmen könnte. „Der Mensch ist hier nur ein Requisit“, erklärt Klemens Kohlweis. Sein Kollektiv Anulla, das schon Klanginstallationen mit Fritteusen und Popcornmaschinen entworfen hat, zeichnet hauptsächlich für Komposition, Roboterbau und Programmierung verantwortlich, bot aber auch fachliche Beratung. „Beim Lesen des ersten Stückentwurfs hat Anulla an einigen Stellen angemerkt, dass Roboter so etwas nie sagen würden“, schmunzelt Rissinger.

Die Fehlbarkeit der menschlichen Schauspielkunst ist seit Heinrich von Kleists Essay „Über das Marionettentheater“ (1810) ein Quell theatertheoretischer Unzufriedenheit. Laut Kleist ist die Marionette die eleganteste Darstellerin, weil sie nichts will. Versucht jemand, ihre Bewegungen nachzuahmen, sei das nur „Ziererei“. Daran angelehnt träumte Anfang des 20. Jahrhundert der britische Theaterreformer und Szenograf Edward Gordon Craig (1872–1966) von einem Theater, in dem der Schauspieler durch sich hydraulisch im Raum bewegte Kuben oder eine riesige „Über-Marionette“ ersetzt wird. Doch selbst die gelenkte Puppe ist unmittelbar mit ihrer Spielerin verbunden. Weitere hundert Jahre später sind die Fäden der „idealen Performer“ gänzlich unsichtbar geworden.

Mehr im Falter 3/19

WILLKOMMEN IM CLUB – Vorbericht über die [8:tension]-Reihe in der Falter-Impulstanzbeilage 2018

Die jungen Choreografinnen und Performer der Reihe [8:tension] sind ein Spiegel aktueller Trends

Die jungen Choreografinnen und Choreografen des Jahres 2018 sind nah dran an den aktuellen Sounds. Klassische Frontalsituationen – hier Bühne, dort Publikum – sind dafür weniger ihr Ding. Die acht Performances junger, aufstrebender Künstler, die ImPulsTanz jedes Jahr im [8:tension]-Format versammelt, sind ein Spiegel aktueller choreografischer Trends. Und die gehen heuer verstärkt raus aus dem Theater und rein in den Club. Raumgreifend laden sie alle ein, Teil der Performance zu sein. Umhüllt von elektronischer Musik widmen sie sich der eigenen Identität und jener der Zuschauer voller Energie und natürlich auf hohem tänzerischen Niveau.

Da ist zum Beispiel der schweizerisch-brasilianische Künstler Mathias Ringgenberg aka Price. Der Name der Kunstfigur, die sich Ringgenberg geschaffen hat, erinnert ganz bewusst ironisch an die Musiklegende Prince. Auch Price versucht aus einer queeren Community heraus einen Ausdruck zu finden, der sich nicht eindeutig zuordnen lässt und Zwischenräume öffnet, in der sich die zuschauende Generation auf seltsam heimelige Weise wiederfindet. Im Zuge der Show wechselt er häufig seine Kostüme, während er zu seinem selbst hergestellten Sound singt. Wie im Club sammeln sich die Zuschauer um den Künstler und sind eingeladen, aus ihrer grundlegenden Existenzangst das Beste rauszuholen: ein bisschen Drama und letztlich gute Unterhaltung. Die Performance selbst ist also die ideale Antwort auf ihre titelgebende Frage: „Where do you wanna go today?“

Wie ein Konzert mutet auch die Arbeit der Choreografin und Sängerin Ofelia Jarl Ortega an. Ihr Stück „B.B.“, das sie gemeinsam mit dem Live-Elektro-Komponisten Patrik Patsy Lassbo und der Tänzerin Alexandra Tveit entwickelt hat, hat sie schon erfolgreich in ausgebrannten Kellern von Discotheken und Sexclubs gezeigt, bei ImPulsTanz nistet sie sich in der mumok-Ausstellung „Doppelleben“ ein. Aber nicht auf Dauer, denn erstmals wird hier auch eine Theaterversion im Burgtheater-Kasino zu sehen sein. Das Nebeneinanderstellen einer Museums- und einer Theaterversion ist mittlerweile zum Markenzeichen von ImPulsTanz geworden. Die drei Performenden, die viel spontan aus den Zuschreibungen des Publikums heraus entwickeln, können sich und ihren Club durch das richtige Licht und ein neckisches Spiel mit den Zuschauererwartungen jedes Mal neu konstruieren. 

Den österreichischen Beitrag zu [8:tension] steuert dieses Jahr Karin Pauer mit der Uraufführung von „five hundred thousand years of movement“ bei, ebenfalls im mumok. Die aus den Arbeiten von Chris Haring und Liquid Loft bekannte Tänzerin bringt ihr Bewegungsvokabular hier zu höchster Präzision. Zu einem selbst montierten Soundtrack manövriert sie ihren Körper durch einen leeren Raum, den nichts weniger als die gesamte Erdgeschichte umrahmt. Denn eine Projektion an die Wand fasst in einem Zeitstrahl die fünfhunderttausendjährige geologische und zoologische Entwicklung auf unserem Planeten zusammen. Ob darauf alle Daten und Fakten korrekt sind oder sich vielleicht auch manch Fiktives eingeschlichen hat, bleibt angesichts von Karin Pauers Charme und ihrer ansteckenden Lust am eigenen Körper Nebensache.

Mehr in ImPulsTanz 18 (Falter 27/18)

DER SCHMERZ DES ABSCHIEDS – Vorbericht und Einführung zu Akram Khans Auftritt im Festspielhaus St. Pölten

Superstar Akram Khan macht in St. Pölten aus zeitgenössischem Tanz eine große Show

Die Briten können es einfach. Blickt man über den Ärmelkanal, möchte man meinen, dass sich mit Kunst noch Geld machen lässt. Selbst den hierzulande als Nischenprodukt geltenden zeitgenössischen Tanz verkaufen sie als große Show, die kann dann noch so anspruchsvoll, verrätselt, düster oder politisch sein.

Meisterhaft beherrscht die Disziplin Akram Khan. 1974 in London als Sohn von Bangladeschis geboren, ist er nicht weniger als der Superstar im Bereich Tanz. Wozu also bescheidener daherkommen als Kylie Minogue oder der Cirque du Soleil? Die vor 18 Jahren gegründete Akram Khan Company verzückte die Welt mit verspielten Multimedia-Spektakeln wie „Until the Lions“ und „Desh“. Seit Syrienkrieg und Flüchtlingskrise fällt dem Choreografen das Leichtfüßige freilich schwerer. Khans neues Stück „Xenos“, das am 17. Mai – wie schon mehrere seiner Arbeiten – im Festspielhaus St. Pölten gezeigt wird, gipfelt im schmerzerfüllten Lacrimosa-Requiem. Es beschäftigt sich mit Kriegstraumata und verbindet Recherchen zu indischen Soldaten, die der britischen Kolonialmacht im Ersten Weltkrieg als Hilfskräfte und Kanonenfutter dienten, mit Motiven von Prometheus, der den Menschen gegen göttlichen Willen das Feuer brachte. 

Die neu erwachte Xenophobie in Europa sitzt Khan dabei im Nacken. „Kurz vor den beiden Weltkriegen war die Stimmung genau wie jetzt“, erklärte er nach der Uraufführung des Stückes in Athen im vergangenen Februar. „Ich sage nicht, dass es Krieg geben wird. Aber bevor wir wieder Hoffnung haben können, müssen wir erst trauern.“ Er selbst spielt in dem berührenden Abend einen Weltkriegssoldaten, der längst tot ist, in autobiografisch gefärbten Erinnerungssequenzen aber noch in Pakistan vor den Statthaltern tanzt. Symbolträchtige Objekte wie Erde, Tannenzapfen und ein Grammofon konfrontieren ihn mit Fragen zu Vergänglichkeit und Tod.

Mehr im Falter 19/18

---

Am 17. Mai 2018 durfte ich außerdem einen Einführungsvortrag zu „Xenos“ im Festspielhaus St. Pölten halten.

DER MIT DEN ZUNGEN TANZT – Porträt von Chris Haring im Falter 17/18

Der Choreograf Chris Haring sammelt exotische Sprachen und lässt dazu tanzen, demnächst auch beim Donaufestival

Im Probenraum in Wien-Favoriten wabert der Elektrosound. Vier Tänzerinnen und vier Tänzer sind fast mathematisch exakt im Raum verteilt, ganz bei sich. Während des Tanzens betätigen sie immer wieder kleine iPods, dann erklingen fremde Stimmen in exotischen Sprachen, sie bewegen perfekt synchron die Lippen dazu. Vom quietschvergnügten Baby der Assistentin am Rand lässt sich niemand aus dem Konzept bringen, auch Chris Haring nicht. Er wirft – für Außenstehende wie Geheimcodes klingende – Anweisungen in den Raum, schaut abwechselnd auf die Tanzenden und konzentriert in seinen Computer. Um 18 Uhr endet die Probe zu „Church of Ignorance“, der neuen Arbeit von Österreichs bekanntester Performance-Gruppe Liquid Loft. Sie wird am Auftaktwochenende des Donaufestivals in der Kremser Dominikanerkirche gezeigt.

Chris Haring ist der perfekte Gastgeber in seinem Probenraum. Er verzichtet aus Rücksicht auf den Gesprächspartner aufs Rauchen, entschuldigt sich für Chaos, wo keines zu erkennen ist. Im Gespräch gibt er sich empathisch, in sich ruhend. Oder auch müde. Der 47-jährige ist erst am Vortag aus Brasilien zurückgekehrt, wo er mit dem Ballett der Oper São Paolo eine Choreografie einstudiert. Jetzt aber erzählt er von „Foreign Tongues“, dem groß angelegten Projekt, aus dem sich alle jüngeren Arbeiten von Liquid Loft speisen.

Mehr im Falter 17/18