VIEL, VIEL BESSER ALS SEIN RUF – Interview mit Angela Glechner für die Publikation zu 50 Jahren Szene Salzburg

Angela Glechner, das Jahr 2019 markiert nicht nur das 50-jährige Bestehen der SZENE, sondern auch deines. Was habt ihr beide gemeinsam? 

Angela Glechner: Wir sind beide eher spontan entstanden. Die Gründung der SZENE war ja ein bisschen Rock’n’roll, und soweit ich weiß, dürfte das bei mir ähnlich gewesen sein. Dafür haben wir uns danach beide ganz gut entwickelt. Ich bin ja eine Quereinsteigerin, da ich weder Theaterwissenschaft noch Kunst studiert habe, und auch dieses Brüchige, Unlineare entspricht der Biografie der SZENE. Außerdem haben wir beide in 50 Jahren einerseits Spuren hinterlassen, andererseits aber auch Falten gekriegt. Die Gefahr besteht ja, wenn man älter wird, dass man sich ein bisschen einlullen lässt und nicht mehr jeden Tag das Gefühl hat, alles auf den Kopf stellen zu müssen. Das gilt, glaube ich, für eine Kultureinrichtung ebenso wie beim persönlichen Älterwerden. Ich hoffe also, dass ich trotz meiner 50 Jahre noch frisch genug bin, um uns beide dieser Gefahr zu entziehen.

Wie hast du die Institution SZENE Salzburg in den letzten sieben Jahren verändert?

Für Salzburg ist die SZENE ein extrem wichtiger Ort, der zuerst durch seinen Gründer Alfred Winter und danach für 30 Jahre stark von Michael Stolhofer geprägt wurde. Mir war anfangs gar nicht bewusst, was für ein gewichtiges Erbe ich von den beiden antrete. Ein zentrales und sensibles Thema war für mich die Dualität zwischen Festivalprogrammierung und der sogenannten „Hausbespielung“ unterm Jahr im republic – wenn etwa Josef Hader oder Stermann & Grissemann auftreten. Dieser Spagat, dass ich einerseits diese Veranstaltungen nicht kuratiere, diese mehr als hundert Abende andererseits den Kern des Aktivitäten bilden, hat mich anfangs sehr beschäftigt. Und vor allem hat mich gestört, dass wir hinter der Marke republic verschwunden sind, obwohl die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter ja schwerpunktmäßig fürs Haus arbeiten. Wenn man einem Taxifahrer die SZENE als Zielort angibt, kennt er sie nicht; sagt man republic, fährt er sofort los. In einem langen und intensiven Prozess haben wir die Umbenennung beschlossen und seit Herbst 2018 heisst das republic wieder SZENE Theater, worüber ich sehr froh bin. Eine weitere Errungenschaft, die ich gleich zu Beginn angestoßen habe, ist die Widmung unseres Probenstudios. Das ist ein kleiner, aber feiner Raum, den wir der lokalen freien Szene nach dem Prinzip „first come, first serve“ kostenlos zur Verfügung stellen. Ein solches Angebot war hier zuvor völlig unbekannt. Dass nicht nach drei Stunden die Yogaklasse kommt und man alles wegräumen muss, hat die Szene hier schon verblüfft.

Und wo ging deine Reise mit der Sommerszene hin?

Zunächst mal hatte ich grafisch ganz andere Vorstellungen als mein Vorgänger: Wie arbeitet man mit Fotos und Slogans, wie denkt man Design, wie sieht eine zeitgemässe Typografie aus? Der neue grafische Festivalauftritt wurde in der Stadt viel diskutiert und positiv angenommen. Gleich im ersten Jahr haben wir den Plakatpreis der Stadt Salzburg gewonnen – seitdem übrigens noch zwei weitere Male. Die inhaltlichen Impulse und Schwerpunktsetzungen des Programms haben sich auch verlagert: Ich zeige verstärkt Produktionen im öffentlichen Raum, Performances, die stark in die Nähe von bildender Kunst rücken und es gibt bei jeder Sommerszene partizipative Projekte, die sich auch an ein junges Publikum richten. 

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WIE MOOS AUF EINEM ROLLENDEN STEIN – Interview mit Ingri Fiksdal im Falter 40/19

Choreografin Ingri Fiksdal erforscht mit „Diorama“ in der Seestadt die geologische Zeit

„Moss grows fat on a rolling stone“, sang Don McLean einst in seinem legendären „American Pie“. Diese Liedzeile drängt sich einem bei dem aktuellen Projekt der Choreografin Ingri Fiksdal auf. Die Norwegerin, die gerade ihre Doktorarbeit über „Affective Choreographies“ abgeschlossen hat, lässt ihre Performerinnen und Performer in aller Langsamkeit wie Moos an Objekten in der Landschaft entlangkriechen, gewissermaßen aus ihnen herauswachsen. Sie sind dabei als silbrig-unförmige „Blobs“ kostümiert. Am künstlich angelegten Teich in der Seestadt eröffnet die Panoramaversion von „Diorama“ am Samstag die neue Saison des Brut Wien. Eine Stadtversion im öffentlichen Raum zeigte Fiksdal im Juni beim Festival Sommerszene in Salzburg, rund um den Brunnen vor dem Hauptbahnhof. Dort traf sie der Falter zum Gespräch. 

Falter: Frau Fiksdal, was ist der große Unterschied zwischen der Panorama- und der Stadtversion Ihrer Performance „Diorama“?

Ingri Fiksdal: Die Stadtversion findet in der Regel an einem öffentlichen Ort mit großem Menschenaufkommen statt. Wir erreichen damit auch ein großes Publikum, das gar nicht die Absicht hatte, sich eine Aufführung anzusehen. Außerdem kommen die Leute ganz nah an die Blobs heran, können sie anfassen, fragen: „Ist da ein Mensch drin?“ Für die Panoramaversion kann man Karten erwerben, sitzt etwa 50 Meter vom Geschehen entfernt und überblickt eine Landschaft, in die sich die Performer organisch einfügen. Hier geht es eher darum, sich Zeit zu nehmen, Dinge zu sehen, die man im Alltag normalerweise verpasst: allmähliche Veränderungen der Temperatur oder Windrichtung, vorbeifliegende Vögel oder Flugzeuge oder wie die Wellen an der Küste aufkommen. Es hat etwas Meditatives.

Die Spielorte für „Diorama“ müssen immer am Wasser liegen. Wieso?

Fiksdal: Ursprünglich war „Diorama“ ein Auftragswerk, konzipiert für ein Küstenschwimmbecken in einer südenglischen Kleinstadt namens Brixham. Das hat die Art, wie sich die Performer im Stück bewegen, stark beeinflusst. Daher ist es sinnvoll, die Choreografie auch anderswo am Wasser stattfinden zu lassen. Die Komposition ist sehr minimalistisch, in einer Blackbox würde sie nicht funktionieren.

Die Choreografie scheint in vieler Hinsicht die Bewegungen in der Natur nachzuahmen. 

Fiksdal: In der Konzeptionsphase haben wir viel über „Deep Time“ gesprochen, die geologische Zeit, in der sich Steine und Landschaften bewegen, ohne dass das für uns sichtbar wäre – außer bei Katastrophen wie Vulkanausbrüchen. 

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DIE SHOW MUSS NICHT WEITERGEHEN – Interview mit Jérôme Bel in der Falter-Impulstanzbeilage 2019

Jérôme Bel performt John Cage, blickt zurück und will den Festivalbetrieb nachhaltig machen

Der prägende französische Choreograf Jérôme Bel, 55, ist gleich dreifach bei Impulstanz vertreten. Und das, obwohl er sein Leben auf den Kopf gestellt hat und in kein Flugzeug mehr steigt. Ein Gespräch über John Cage, die alte und die neue Zeit.

Falter: Herr Bel, Sie tragen die „Lecture on Nothing“ des großen Komponisten John Cage bei Impulstanz vor. Wie kamen Sie darauf?

Jérôme Bel: Cage inspiriert mich sehr. Schon seit geraumer Zeit versuche ich, im Zuschauer einen ähnlichen Zustand der Meditation zu erzeugen, wie ich sie selbst praktiziere. Nach einigen weniger erfolgreichen Versuchen habe ich entschieden, einfach diesen prägenden Text auf der Bühne zu lesen. 

Cage gibt eine sehr genaue Notation vor, wie seine Lecture vorzutragen ist. Robert Wilson tat es 2012 in einem eher unheimlichen Bühnenbild. Wie bringen Sie Ihre eigene künstlerische Freiheit in das Projekt ein?

Bel: Oh, die Version von Bob Wilson habe ich auch gesehen. Die Bühne war überfrachtet, Bob ganz in Weiß, total lachhaft! Und dann, obwohl ich es in dieser theatralen Üppigkeit nicht erwartet habe, war ich plötzlich tief bewegt. Und habe verstanden, dass dieser Text alles aushält. Aufgrund dieser Erfahrung habe ich die szenischen Elemente auf ein Minimum reduziert und interpretiere alles so, wie ich glaube, dass Cage es meinte. 

Außerdem halten Sie zwei Nachmittage einen Thinktank zum Thema Tanz und Ökologie ab. 

Bel: Ich will in diesem (letzten?) historischen Moment meine Sorge über die Erderwärmung zum Ausdruck bringen. Also lade ich Tänzerinnen, Kuratoren, Technikerinnen, Caterer, Produzentinnen, Kostüm- und Bühnenbildner, Zuschauerinnen, Aktivisten, Choreografinnen, Kulturpolitiker, Kritikerinnen (kommen Sie auch?), Firmenbosse, Kommunikationsmenschen, Lichtdesignerinnen und so weiter ein, Lösungen zu finden, damit das, was wir tun, nachhaltig wird. Wir müssen neue Arbeitsweisen finden, die gewiss zu neuen Tanzformen führen werden. Es heißt nicht umsonst zeitgenössischer Tanz, und die Zeit ist jetzt.

Wann haben Sie begonnen, die Vereinbarkeit des Festivalbetriebs mit ökologischem Denken in Frage zu stellen? 

Bel: Letzten Februar. Ich war daheim in Paris und drehte die Heizung runter, um Energie zu sparen. Da fiel mir ein, dass in dem Moment zwei meiner Assistenten im Flugzeug aus Hongkong saßen, wo sie mein Stück „Gala“ neu inszeniert hatten. Zwei andere flogen gerade nach Lima, um dort genau das Gleiche zu tun. Plötzlich begriff ich, dass mein Leben eine Illusion war, wie schlechtes Theater. Ich behauptete etwas und tat gleichzeitig das Gegenteil. Das stürzte mich in eine schwere Depression. Dann beschloss ich, dass weder ich noch meine Gruppe wieder fliegen würden.

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„DIE INNERE NOT IST IMMER DA“ – Interview mit Florian Carove im Falter 26/19

In Haag spielt Florian Carove einen sich aus der Verantwortung stehlenden Bürgermeister

Vor 13 Jahren erhielt Florian Carove (Jahrgang 1975) eine Nestroynominierung als bester Nachwuchs, aber keinen Nestroy. Und keine besseren Rollenangebote. Der Mann, der nie etwas anderes sein wollte, als Schauspieler, nahm seine Französischkenntnisse aus dem Wiener Lyçée und folgte einer Liebesbeziehung nach Paris. Dort baute er eine sehenswerte Karriere auf, um 2017 – teils, teils – wieder zurückzukehren. Jetzt ist er zur Gänze wieder da und macht sogar wieder gerne Sommertheater. Denn in „Maß für Maß“, wo er den Bürgermeister eines „wilden, kleinen Städtchens“ spielt (im shakespeareschen Original: Wien), darf er mit seinem aktuellen Lieblingsregieteam zusammenarbeiten: Alexander Pschill und Kaja Dymnicki vom seit drei Jahren erfolgreichen Bronski & Grünberg Theater am Alsergrund. Beim Theatersommer Haag hat „Maß für Maß“ am Mittwoch Premiere.

Falter: Herr Carove, was ist das Besondere an der Arbeit mit Pschill & Dymnicki? Er macht die Hauptregie, sie bespricht sich mit ihm, schreibt die Texte und konzipiert die Bühnenbilder.

Florian Carove: Die meinen einen. Sie meinen dich als Mensch und als Schauspieler, und sie mögen grundsätzlich mal, was du tust. Das sollte eigentlich eine Grundvoraussetzung sein, ist aber bei vielen nicht so. Alexander Pschill, mit dem ich seit Josefstadt-Zeiten befreundet bin, hat eine Energie, die ich teile. Und er hat mir schöne Rollen gegeben, als ich aus Paris zurückkam – was nicht selbstverständlich ist. Obwohl er sehr viel mit Slapstick arbeitet, schafft er eine große Poesie. Er lässt einen extreme Dinge tun – wie zuletzt in meiner Rolle als Untersuchungsrichter in Dostojewskis „Schuld und Sühne“ im Bronski –, aber dann entsteht plötzlich ein Punkt der totalen Wahrheit. Ich fühle mich bei ihm hundertprozentig frei.

Ändert sich etwas dadurch, dass das alles – wie jetzt bei „Maß für Maß“ – nicht in Wien 9, sondern auf dem Hauptplatz der Stadt Haag stattfindet?

Carove: Na ja, es ist schon ein bisschen wie Urlaub. An der Arbeit selbst ändert sich aber nichts. Alexander ist genauso besessen und genau. Nachher sitzt man halt bei guter Luft zusammen. Letztes Jahr haben wir dort „Was ihr wollt“ gespielt, das war ein riesiger Erfolg, aber ich verspüre nicht den Druck, dass wir uns deshalb mit diesem durchaus komplexen Stück kommerzieller ausrichten müssen. 

Was darf man sich von dem Bürgermeister erwarten, den Sie spielen?

Carove: Der Bürgermeister – bei Shakespeare ist es der Herzog – übergibt die Amtsgeschäfte seinem Stellvertreter Angelo, bleibt aber in Wirklichkeit da und beobachtet ihn heimlich. Obwohl „Maß für Maß“ weder eine Komödie noch eine Tragödie ist, arbeiten wir viel mit Akzenten und sehr komödiantisch, aber immer aus einer inneren Not der Figuren heraus. Es geht in dem Stück um Macht, um moralische Verantwortung und die Überschreitung von Grenzen. Was passiert, wenn man sich aus einer Verantwortung zieht?