PARTY LIKE IT'S TWENTY-TWENTY-TWO – Nachtkritik aus dem Schauspielhaus Graz

Graz, 15. Januar 2022. F. Scott Fitzgeralds Roman auf der Bühne? Das heißt Partystimmung. Regisseurin Claudia Bossard spart nicht damit in ihrer Adaption "Making a Great Gatsby", aber auch nicht mit pathetischen Reden, Katerstimmung nach viel amerikanischen Patriotismus und dem Gefühl von Hoffnungslosigkeit nach der Wahlparty.

15. Januar 2022. Einen Vorteil hat es, dass "Making a Great Gatsby" mehrmals lockdownbedingt verschoben wurde. So kommt Claudia Bossards Bearbeitung hundert Jahre nach den im Jahr 1922 angesiedelten Ereignissen des Romans von F.-Scott-Fitzgerald zur Premiere. Leider gestalten sich die Twenties des neuen Jahrhunderts bisher deutlich weniger Roaring. Entsprechend trocken liegt hier ein dreckiger Swimmingpool auf der Bühne vor einem Gerüst, das wirkt wie eine lang aufgegebene Baustelle. Vorne links eine Telefonzelle, Symbol für einstigen Fortschritt.

Zwei armselige Maskottchen hüpfen herum, eine Disney-Maus und ein längliches Ding mit Sombrero. Alexej Lochmann tippt, es könnte sich um einen "cute little chili pepper" handeln. Alles ist glorreich amerikanisch hier, ein bisschen over the top. Später wird von Gertrude Steins Roman "The Making of Americans" die Rede sein, der 1925 fast zeitgleich mit "The Great Gatsby" herauskam und dem sich wohl der Kombititel des Abends verdankt.

Lochmann, dem neben Alice Peterhans eine überdrehte Moderatorenrolle zukommt, schwört das Publikum auf nahende "Greatartigkeit" ein, bevor sich die Band und das Ensemble endlich für den Auftakt zur Geschichte vom großen Romantiker Gatsby an der Rampe versammeln. Dekadente Kostüme vermitteln patriotische Aufbruchstimmung, selbst der Jogginganzug trägt als Muster die Stars-and-Stripes-Flagge. Aber halt, nicht übermütig werden: "THE END IS NEAR", verkündet ein Ganzkörperschild.

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SPOREN BIS ZUR SPERRSTUNDE – Bericht aus dem Schauspielhaus Wien im Falter 1-2/22

Seit Oktober erklärt sich das Schauspielhaus Wien zum Hotel. Theater gibt es trotzdem reichlich

Das Schauspielhaus Wien ist ein Chamäleon. Mal schaut die Zuschauertribüne in die eine Richtung, mal in die andere – wenn es überhaupt eine Bestuhlung gibt. Schon oft, seit Tomas Schweigen die künstlerische Leitung der Mittelbühne 2015 übernahm, betrat man den Saal in der Porzellangasse durch eine Tür, die vorher nicht da war, und verlor sofort die Orientierung. Bis Ende Februar ist räumlich wieder alles ganz anders.

„Wir haben das Schauspielhaus zu einem Hotel umgebaut“, sagt Schweigen. „Sagen wir: zu einer Hotelinstallation. Damit wollen wir einen anderen Begegnungsort schaffen für das Publikum, für die verschiedenen Künstlerinnen und Künstler, die wir eingeladen haben, und für uns selbst. Außerdem geht es darum, unsere Arbeitsprozesse transparenter zu gestalten.“

Seit Oktober kann man am Wochenende hier Einzel- und Doppelzimmer buchen. In den 65 Euro ist dann nicht nur auch das Abendprogramm im weiterhin vorhandenen Theatersaal enthalten, sondern auch Zugang zu allem, was am Nachmittag hier stattfindet. „Wir zeigen Performances in Zimmern, vieles findet gleichzeitig statt“, beschreibt Schweigen atemlos das Gewusel in den verwinkelten Gängen des wahrlich kaum wiederzuerkennenden Gebäudes. „Filmbeiträge laufen über unsere Fernseher in den Zimmern, es gibt Radiosendungen aus einem eigenen Studio. Verschiedene Genres treffen und befruchten einander.“ 

Nachts ist Ruhe, das kann der Direktor bestätigen. „Gleich in der ersten Nacht habe ich in einem Zimmer übernachtet und sehr gut geschlafen“, schmunzelt er. Die bittere Ironie: Seit dem Gespräch mit Schweigen im November wurden die CoV-Verordnungen mehrmals geändert. Derzeit gilt eine Sperrstunde um 22 Uhr. Da das Schauspielhaus offiziell weiterhin als Kultur-, nicht Beherbergungsbetrieb firmiert, darf man dort derzeit nicht übernachten. Bis zur Aufhebung der Sperrstunde ist das Hotel also kein Hotel.

Das Programm bleibt dennoch vielfältig. Wer für den Nachmittags- und/oder Abendslot eincheckt, darf sich von unzähligen Interventionen, Installationen und offenen Proben überraschen lassen. Die aktuelle Hauptabendproduktion ist „Bataillon“, die österreichische Erstaufführung eines Stückes der gehypten deutschen Autorin Enis Maci. Eine Gruppe von Weberinnen, erkennbar an einem wuchtigen Webstuhl ohne Garn in der Bühnenmitte, erforscht darin Biografien von Frauen, aber auch Männern, die mit dem Weben im weitesten Sinne zu tun haben, also auch mit dem (World Wide) Web. Auch Geflechte, die in der Natur vorkommen, sind ein zentrales Motiv.

Weiter im Falter 1-2/22

CLUB DER KILLENDEN DICHTER – Nachtkritik aus dem WUK

Wenn Schüler im Fach kreatives Schreiben das Manifest für ihren Amoklauf verfassen und dieses dann auch noch singen: ist man als Zuschauer:in im Genre des weirden Musicals gelandet. Autor und Regisseur Yosi Wanunu von der freien Gruppe toxic dreams erprobt am Wiener WUK eine düster gestimmte Variante – ob er damit ein zukunftsfähiges Subgenre begründet?

Wien, 11. Januar 2022. Das Genre des weirden Musicals hat Konjunktur. In Léos Carax’ "Annette" sind die Gesangsausbrüche hauptsächlich verstörend, aber schon "Dancer in the Dark" von Lars von Trier war nicht gerade Hochglanz. Im Jahr ihres 25-jährigen Bestehens hat sich nun toxic dreams, eine von Wiens geistreichsten freien Sprechtheatergruppen, an die so reizvolle wie geschmähte Form herangetraut. "The Dead Class" ist eine musikalische Unterrichtsstunde für kreatives Schreiben. Die fünf Schüler sollen knackige Manifeste für die Nachwelt verfassen. Dass sie Schulamokläufe begehen werden, erachtet der Lehrer (wie sie selbst) als unvermeidlich. „This is the class of the students who want to kill their class?“, begrüßt er sie.

Tragische Töne statt schwarzhumoriger Satire

Denkbar originelle Voraussetzungen für eine schwarzhumorige Satire. Doch überraschend rasch sticht die Schwärze den Humor aus. Autor und Regisseur Yosi Wanunu ließ sich von Schriftstücken mehrerer realer Amokläufer inspirieren und zeigt auf, wie larmoyant, einfallslos und einander ähnlich diese waren. Auch die Kompositionen von Martin Siewert, die dieser im Saal des Wiener WUK mit einer Live-Band aus dem Schatten einspielt, schlagen nach einem fetzigen Einstieg meist schmerzverzerrte, sehnsüchtig tragische Töne bis hin ins Einschläfernde an.

Zudem ist das Setting, auch wenn bisweilen Diskolicht über Bänke und Tafel flackert, nun einmal eine Schulklasse. Drei Lektionen hält der Lehrer: Die Schüler sollen sich überlegen, 1. wer sie sind, 2. welche Botschaft sie den Medien vermitteln können und 3. was sie menschlich macht. Die Hausaufgaben werden, mal einzeln, mal im Chor, singend abgeliefert. Und doch bleibt Theorie eben Theorie.

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DER SCHWARZE PATER IST JA GAR NICHT SCHWARZ – Kritik aus dem Burgtheater auf Welt.de

In Arthur Schnitzlers „Professor Bernhardi“ verweigert ein jüdischer Wiener Arzt einem Priester den Besuch eines sterbenden Mädchens. Der britische Theaterhoffnungsträger Robert Icke hat es jetzt provokativ ins Heute gebracht. Und er besetzte es farbenblind.

In einer idealen Welt wäre diese Kritik sehr kurz: Sauber gebautes Stück, heutige Figuren mit nachvollziehbaren Konflikten, minimalistisch abstrahierte Bühne, ordentlich gespielt. Doch indem der 35-jährige Autor/Regisseur Robert Icke seine Erfolgsproduktion „The Doctor“ aus dem Londoner Almeida Theatre an der Wiener Burg reproduzierte – in Christina Schlögls insgesamt etwas mutlosen deutschen Übersetzung –, sorgt er für Gesprächsbedarf. Er hat nämlich aus der aalglatten angloamerikanischen Bühnenwirklichkeit in den deutschen Regietheaterkosmos die eine Sache mitgebracht, die dort schon ganz normal, hier aber noch radikal, riskant und irgendwie seltsam ist: „farbenblindes“ Besetzen, also nicht nach optischen Kriterien.

Als besonderes Wagnis mag das auch deshalb gelten, weil sich Icke, einer der vielen jungen Männer, die England als Retter des Theaters feiert, für seine Überschreibung eine heilige Kuh des bürgerlichen Wiener Theaterpublikums vornahm: Arthur Schnitzler. In dessen Fünfakter „Professor Bernhardi“ bekommt der titelgebende jüdische Arzt die Folgen seiner Entscheidung zu spüren, einem Priester den Zutritt zum Zimmer eines sterbenden Mädchens zu verweigern. Die Medien spielen die Sache hoch, Bernhardi verliert im Zuge zahlreicher, hitziger und ausufernder Debatten Stellung und Doktorgrad. Shitstorms gab es also schon in der Belle Époque um 1900. Und jetzt stelle man sich das Ganze mit Internet vor.

Aus Professor Bernhardi wurde „Die Ärztin“, Professor Ruth Wolff, an der Burg gespielt von Sophie von Kessel. Ihre Ausgangssituation entspricht jener im Original, mit der in identitätspolitisch geprägten Zeiten heiklen Verschärfung, dass der Pater, mit dem Wolff aneinandergeriet, schwarz ist. Sie kämpft vehement dagegen an, dass das eine Rolle spielen könnte, denn sie hält nichts von Etiketten – ihre privaten Bezugspersonen sind nonbinär und trans, auch wenn die deutsche Übersetzung daran scheitert, das klar zu vermitteln –, und schon sind wir mitten in den schönsten und haarsträubendsten Diskussionen unserer Gegenwart. Nur entnimmt man die Grundlage dafür ausschließlich den Dialogen. Den Pater gibt nämlich der durchaus weiße Burgschauspieler Philipp Hauß.

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