DER MIT DEM EXOTEN-BONUS – Porträt von Peter Marton im Falter 36/16

Der Wiener Schauspieler Peter Marton beglückt Vorstadtweiber und spielt derzeit an der Josefstadt

„Woher kommen Sie?“, wird Peter Marton oft gefragt. „Aus Wien“, antwortet er für gewöhnlich. „Nein, ich meine ursprünglich.“ – „Meine Mutter stammt aus Ungarn“, sagt er dann und verkneift sich ein böses Grinsen. Stille. Wenn er gnädig ist, fügt Marton noch hinzu, dass sein Vater aus Kenia war. Nun nickt das Gegenüber und lächelt anerkennend: „Da sprechen Sie aber gut deutsch!“

Nicht böse gemeinten und dennoch frustrierenden alltäglichen Rassismus darf der 33-jährige Schauspieler derzeit auch in den Kammerspielen des Theaters in der Josefstadt verhandeln: In „Monsieur Claude und sein Töchter“ nach dem gleichnamigen Erfolgsfilm von 2014 spielt er den Studenten Charles Koffi, der die jüngste Tochter eines französischen Spießers heiraten möchte. Es ist die klassische Komödienrolle „jugendlicher Liebhaber“, nur eben mit dem Unterschied, dass Marton genau weiß, wie man auf ihn kam. „Die haben einfach keinen anderen Schwarzen gefunden“, meint er augenzwinkernd.

Als man ihn zum Casting bat, spielte er gerade irgendwo in Deutschland zum über hundertsten Mal eine andere adaptierten französische Filmkomödie, „Ziemlich beste Freunde“. Eigentlich war Marton der Stereotype längst überdrüssig, außerdem sieht er sich eher als Tragöden denn als Komödianten. Letztlich ließ er sich von seiner Agentur dennoch zum Engagement in seiner Heimatstadt Wien überreden.

„Monsieur Claude und seine Tochter“ feiert am 8. September Premiere, Marton hat sich inzwischen mit dem Projekt versöhnt. 

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DER NETTESTE ISLÄNDER DER WELT DER WOCHE – Enthusiasmuskolumne im Falter 34/16

Zur Werkschau von Ragnar Kjartansson im Londoner Barbican Centre begrüßt einen die neonpinke Aufschrift „Scandinavian Pain“. Man stellt sich auf Ewigwinterliches und Eiswüstendepression ein, aber weit gefehlt. Gleich das erste Exponat zaubert einem ein Grinsen ins Gesicht.

Täglich von 10 bis 18 Uhr sitzen zehn Musiker von halbleeren Bierflaschen umgeben im Museum und spielen Gitarre wie bei einer WG-Jam-Session. Zur immer selben Melodie singen sie selbstvergessen immer denselben Text, wenn auch nicht unisono: „Take Me Here By the Dishwasher“ – „Nimm mich hier beim Geschirrspüler“. Den softpornografischen Ursprung dieser Dialogzeile verifiziert ein Filmausschnitt, der in Endlosschleife an die Wand projiziert ist. Er stammt aus Islands erstem Langspielfilm „Murder Story“, gedreht 1975, und die in der Küche übereinander herfallenden Schauspieler sind die Eltern des Künstlers. Er wurde 1976 geboren.

Der Ohrwurm aus der autobiografischen Lebendinstallation begleitet einen auf dem Rundgang. Mit jeder Ecke, um die man in dem weitläufigen Ausstellungsgelände biegt, wächst der Spaß an der Kunst weiter. Als Islands Vertretung bei der Biennale 2009 kampierte Ragnar mit einem Freund ein halbes Jahr lang in einem venezianischen Palazzo und malte ihn dort jeden Tag genau einmal. Alle 144 entstandenen Bilder hängen im Barbican und machen die sieben Jahre alte Performance greifbar. Gegenüber dokumentieren Fotos, wie der Künstler einst als nordischer Barde gekleidet tagelang Besucher in einem abgelegenen isländischen Dorf empfing. Es war so abgelegen, dass kaum jemand kam, aber, so der Bildtext, in Island zählt weniger das Geschehene als die Erzählung davon.

Seit der EM lieben sowieso alle die Isländer. Ragnar Kjartansson muss der liebenswerteste sein.

SALON.GESPRÄCH MIT ANNA MARIA KRASSNIGG: 14.8., 18 UHR

Im Rahmen der Reihe „salon.gespräch“ bin ich am Sonntag, den 14. August 2016 um 18.00 zu Gast bei Anna Maria Krassnigg im Salon5 am Thalhof in Reichenau/Rax. Ich spreche über „Das Buch der Schurken“ und wahrscheinlich auch über das Theater.

Im Anschluss, um 19.30 zeigen Raphael von Bargen und Christian Mair den Shakespeare-Schurken-Abend „Power to Hurt“.

Thalhof
Thalhofstraße 23
2651 Reichenau an der Rax

GÄNSEHAUT UND ENDZEITSTIMMUNG – Kritik von den Salzburger Festspielen im Falter 32/16 und 35/16

Hamm ist blind und kann nicht gehen, er thront zwischen morgendlichem Aufputsch- und abendlichem Beruhigungsmittel auf einem Sessel, genau in der Mitte des Raumes. „Es tropft. Es tropft in meinem Kopf“, sagt er. Sein Diener Clov kann nicht sitzen, und er ist dazu verdammt, gegen seinen Willen Hamms Befehle auszuführen, ihm den Spielzeughund zu bringen oder die Erde für ihn zu betrachten. In zwei Mülltonnen vorne links fristen Hamms Eltern Nagg und Nell ihr Dasein, die ihre Beine verloren haben. Sie stehen gerade so weit voneinander entfernt, dass sie es nicht schaffen, sich zu küssen. Es scheint keine anderen Menschen mehr zu geben, Endzeitstimmung herrscht, und alle sprechen auch ständig vom Ende, obwohl ziemlich klar ist, dass sie in Wahrheit in einer absurden Endlosschleife gefangen sind.

Das auf französisch verfasste „Endspiel“ des irischen Autors Samuel Beckett aus dem Jahr 1957 ist auf keine bestimmte Art und Weise aktuell oder heutig, ein Identifikationspotenzial mit den Figuren kann höchstens durch Assozitation entstehen. Vom Verlag ist vorgegeben, dass die vom Autor festgeschriebene Choreografie aus Bewegungen und Pausen zwischen den Sätzen, ja sogar die Details des Bühnenbilds bei keiner Inszenierung verändert werden. Für die meisten anderen Regisseure wäre das „Endspiel“ also ein undankbares Projekt. Nicht so für den 80-jährigen ehemaligen Intendanten der Münchner Kammerspiele und des Residenztheaters, Dieter Dorn. Er arbeitet für die Salzburger Festspiele und das Burgtheater jede einzelne Sekunde des Textes so fein heraus, dass man seinen Akteuren zweieinviertel Stunden lang gebannt an den Lippen hängt.

Diese Akteure tragen freilich die Hauptverantwortung dafür, dass Becketts Versuchsanordnung und sein melancholischer Nihilismus zum Leuchten gebracht werden. Der ehemalige „Jedermann“-Darsteller Nicholas Ofczarek  lässt, gewohnt wortgewandt, vergessen, dass sein Hamm nur einen eingeschränkten Bewegungsradius hat. Joachim Bißmeier und Barbara Petritsch sind ein rührend tragisches Liebespaar, das an der Elternrolle und am Leben gescheitert ist und trotzdem nicht ohne einander auskommt. Und Michael Maertens hat man schon lange nicht mehr so konzentriert und brillant gesehen wie hier als Diener Clov. Wenn er gegen Ende dasteht und sagt: „Lass uns aufhören zu spielen!“, wirkt nur für einen Augenblick die ganze Groteske wie ein Theater-im-Theater, das auseinanderzufallen droht. Ein Gänsehautmoment an einem packenden Abend.

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Die zelebrierte Ausweglosigkeit:  „ENDSPIEL“ IM AKADEMIETHEATER

Die Theaterkritik in Österreich und mit wenigen Ausnahmen auch im Rest des deutschsprachigen Raums hat – zu Recht – Dieter Dorns Inszenierung von Samuel Becketts „Endspiel“ als Ereignis gefeiert und gleichzeitig seine Werktreue betont. Eine seltene Kombination.

Tatsächlich hat der 80-jährige Regisseur mit seiner im Falter-Porträt (siehe Heft 30/16) deklarierten „Engführung“ der beiden Hauptdarsteller Nicholas Ofczarek und Michael Maertens alles richtig gemacht. Beckett gibt in seinem 1957 uraufgeführten Stück zwischen Clowneske und existenzialistischer Absurdität ein genaues Drehbuch vor: Die Position der beiden Fenster und der Mülltonnen, in denen Hamms Eltern wohnen, alles ist penibel vorgegeben. Spätestens Dorns Inszenierung zeigt, dass das gute Gründe hatte. Jeder Pause, jeder kleinen Nuance horcht er nach, und schafft so zweieinviertel fesselnde Stunden, in denen sich der Beckett-Text auf den Zuschauernerven ablagert und jedem Einzelnen ermöglicht, die hier zelebrierte Ausweglosigkeit mit dem eigenen Leben abzugleichen.

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